Ausführung Burgund	Entwurf Burgund	Eros

Maria von Burgund

Der rechte Zwickel zeigt ein Liebespaar und ist eine Anspielung auf Kaiser Maximilian und seine Gemahlin Maria von Burgund. Innig wendet das Paar die Köpfe zueinander, beide in prachtvolle burgundische Hofkleidung gehüllt. Der Jüngling hält in seiner rechten Hand einen Granatapfelzweig, wieder eine Anspielung auf Maximilian. Die Bordüre der den Hintergrund schließenden Tapisserie bezieht sich in ihrer nur teilweise lesbaren Inschrift auf die Minne: Schöne. Frouwe. Begnogend. mich...in .....I ...(...).

Maria von Burgund

Orden goldenes Vlies

Hier im Interkolumnium wird die Verbindung der Häuser Österreich und Burgund geschildert. Im Stammbaum erscheint auf goldenem Schild der doppelköpfige Reichsadler, überhöht von der rudolfinischen Hauskrone, umgeben von der aus Feuereisen zusammengesetzten Kette des Ordens vom goldenen Vlies. Durch die Hochzeit Marias von Burgund, deren Großvater den Orden gegründet hatte, gelangte er nach Österreich, zusammen mit vielen anderen burgundischen Schätzen. Sie war ja damals die reichste und auch hübscheste Erbin Europas. Links und rechts des Stammes sieht man die Wappen der Häuser Österreich und Burgund. Hinter der Säule lugt Amor hervor. Alle drei Teile stammen vom Künstler Franz Matsch.

Colane des Ordens     vom Goldenen Vlies,     Schatzkammer Wien

Florentinisches Cinquecento, 15. Jhd.	David, Caravaggio, KHM	David, Michelangelo

Entwurfzeichnug

Für ersteres wählte Gustav Klimt die Umsetzung eines der frühen Hauptwerke Michelangelos, den David mit dem Haupt des Goliath. Der Kopf des Goliath zwischen den Säulen, David im Zwickel. Dieser kraftvolle David im Lendenschurz hält in der Linken den blutbefleckten Säbel und in der ausgestreckten Rechten, übergreifend in das Interkolumnium das abgeschlagene Haupt seines Gegners.

Goliath's Kopf scheint fast wie eine Büste auf den darunter stehenden Marmorsockel gesetzt, dessen lateinische Inschrift teilweise verdeckt ist. Als Zeichen der Mahnung lautet sie: Wen Gott verderben will, den verblendet er vorher. Durch die einheitliche, in sich geschlossene Hintergrundwand und den durchgehenden Perlenstab verbindet Klimt den linken und den rechten Zwickel zu einem Bildraum.

7. Florentinisches Quatrocento

Florentinisches Quatrocento, 14. Jhd

Das florentinische Quatrocento, also das 14. Jhd. verkörpert eine Venus (Botticelli nachempfunden). Sie lehnt an einer geöffneten Muschel, Amor zu ihrer Seite. Aphrodithe (Venus) wird die Schaumgeborene genannt. Die Göttin der Liebe und der Begierde, entsprang angeblich dem Schaum, der die Genitalien des Uranos umhüllte, nachdem Kronos diese abgeschnitten und ins Meer geschleudert hatte. Nach ihrer Geburt ritt sie auf einer großen Meeresmuschel nach Kythera, einer kleinen Insel vor der Küste des Peloponnes. Dann zog sie weiter nach Paphos auf Zypern, das zu einem bedeutenden Zentrum ihres Kultes wurde. Nach anderen Berichten war sie die Tochter von Zeus und Dione, der titanischen Göttin der Eichen, auf denen liebestolle Tauben nisteten. Tatsächlich wurde Aphrodite immer von Tauben und lüsternen Sperlingen begleitet. Die Legende von ihrer Geburt im Meer mag mit dem mediterranen Glauben zusammenhängen, dass Meeresfrüchte aphrodisisch wirken.

Geburt der Venus,     Botticelli

8. Barock und Rokoko

franz. Barock, Rokoko	österr. Barock, Rokoko

	Im linken Interkolumnium stützt sich ein nacktes Mädchen auf einen Wappenschild. Dahinter sieht man den französichen Sonnenkönig Louis XIV. Er ist hier als seitenverkehrte Umsetzung der Bernini' schen Büste wiedergegeben. In den Zwickeln trifft Matsch den süßliches Zeitgeschmack des Rokoko vollkommen. Schelmisch wendet sich die prachtvoll gekleidete Rokokodame ihrem sie aus dem gegenüberliegenden Zwickel betrachten den ebenso prachtvollen Kavalier zu. Lässig auf den Bogen der Arkade gestützt hält er in der Linken eine Violine. Rosengirlanden und Rocailleornamente füllen den Hintergrund. Das rechte Interkolumnium zeigt eine Büste Kaiserin Maria Theresias, nach dem original von Georg Raphael Donner. Unter den Reigen der Putti hat Matsch seine volle Signatur gesetzt.
Bernini, Ludwig XIV

9. Holländische Schule

Holländische Schule

Die Holländische Schule verkörpert Ernst Klimt, dessen Hauptinteresse kostümgeschichtlichen Studien gilt, durch eine schwarz gekleidete Patrizierfrau mit auffälligem, weißem Tellerkragen, in der Linken eine Tulpe. Hinter ihr bauscht sich ein dunkler, von einer Kordel geraffter Vorhang. Sie gibt den Typus der Frans Hals- und Rembrandt'schen Portraitmalerei wieder.

Mode Um 1600 war das zur einflussreichen Kolonialmacht aufgestiegene Spanien federführend in der Mode geworden. Spanien stellte ein Zentrum katholischer Frömmigkeit dar, man trug fast ausschließlich schwarz, dazu gesteifte Halskrausen. Männer- wie Frauenmode war steif, ausgestopft und hochgeschlossen. Die Weiterentwicklung der Mode durch den 30jährigen Krieg machten zwei Länder nicht so recht mit: Die Holländer und die Flamen. Sie trugen weiterhin am liebsten Schwarz und wollten nicht von der Halskrause lassen. Dies hatte nicht nur mit der protestantischen Strenge zu tun, sondern sie standen unter dem Einfluss Spaniens. Auch diese hielten an der Steifheit fest, die Reifröcke wurden sogar noch breiter, wie sie Velázquez oft malte. Erst 1648 befreiten sich die Niederlande von der spanischen Oberherrschaft, Flandern noch später.

Damenportrait, Holland

10. Flämische Schule

Flämische Schule

Für die Symbolfiguren der Flämischen Schule stand Rubens Pate. Seinem Bacchanal nachempfunden, bedrängt ein Satyr spielerisch eine nackte Bacchantin. Zwei feiste, sich in Rosenblüten balgende Putten schließen den Interkolumnium. Bacchanal Die Satyrn erscheinen als Pferde in Menschengestalt. Verwandt mit den Nymphen führten sie ein friedliches und lustiges Leben (Ausnahme der Satyr Marsyas). Sie waren wie ihre römischen Vettern, die Faune, von Haus aus Waldgeister, also sehr der Natur verbunden. Dem Wein waren sie auch sehr zugetan, darin unterscheiden sie sich auch ein wenig von den sehr ähnlichen Silenen, denn diese sind für ihre Vorliebe für die Liebeslust bekannt. So findet man sie alle musizierend und in munteren Sprüngen tanzend im lüsternen Gefolge bei den Festen (Bacchanale) des Weingottes Dionysos. (Bacchus).

Häutung des Satyr Marsyas

Satyr Marsyas

Der Satyr Marsyas fand die Flöte, die einst Athene fortgeworfen hatte (sie gefiel sich nicht mit aufgeblasenen Backen), und wurde bald ein Meister des Flötenspiels. Übermütig forderte er Apollon zu einem Wettstreit auf, den dieser erwartungsgemäß gewann. Aber Apollon war so zornig über die Unverfrorenheit des Marsyas, dass er ihn bei lebendigem Leib häutete wie einen Ziegenbock.

Tragödie

Aus den kultischen Feiern zu Ehren des Gottes Dionysos entwickelte sich das Wort Tragödie. Wörtlich übersetzt bedeutet es Bocksgesang (griech: trágos - bock, ode - Gesang). Bei diesen kultischen Gesängen waren die Mitglieder des Chores in Bocksfellen als Satyrn verkleidet aufgetreten. Im Laufe der Zeit entwickelte sich aus der Tragödie das Drama: durch Einführung eines Dialogs zwischen Chorführer und Chor und durch Einführung eines, später mehrerer Schauspieler. Mit der Ausgestaltung des kultischen Chorgesangs zur dramatischen Form empfing die Bezeichnung Tragödie ihren neuen Sinn.

Römisches Quatrocento

Linker Zwickel, Rom: Symbolfigur ist Ecclesia, die römische Kirche, im Kreis der Insignien des Papsttums: Den Kopf mit einem goldenem Nimbus unterlegt, hält sie die Tiara und das Pontifikalkreuz in Händen. Als Schaustück kirchlicher Prachtentfaltung umhüllt sie das mit Szenen aus der Heilsgeschichte reich bestickte Pluviale. Das Rundfenster, in der die beiden Zwickel zu einem Bildraum schließenden Marmorwand, trägt am Rahmen die Rundschrift (P)ontifex, als Hinweis auf den Papst als Pontifex Maximus.

	Tiara - Mitra Die Tiara, die der jetzige Papst wegen ihres Prunkes nicht trägt, ist nicht christlichen, sondern heidnischen Ursprunges. Die Krone findet sich schon auf assyrischen Tafeln und wird dort von "Göttern" oder "Engeln" getragen. Auch die Mitra (als "Nikolaushut" bekannt) findet man schon auf mesopotamischen Skulpturen. Sie symbolisierte ursprünglich den Kopf eines Fisches.
Papsttiara

12. Venezianisches Quatrocento

Venezianisches Quatrocento

Im rechten Zwickel, im Venezianischen Quattrocento ist der venezianische Doge dargestellt, mit Dogenhut und Brokatmantel, als Gegenstück der römisches Kirche. Seine Züge erinnern an das Portrait des Dogen Leonardo Loredan von Giovanni Bellini, in der National Gallery in London. Hinter ihm hält der golden nimbierte Markuslöwe ein aufgeschlagenes, goldenes Buch, dessen Segensspruch (Pax tibi marce evan geli sta meus) sich auf den Schutzheiligen der Republik Venedig bezieht.

Das Interkolumnium füllt das Weihwasserbecken aus dem Dom von Siena.



Bellini, Doge Leonardo Loredan (regierte 1501-1505)

Griechen	Pallas Athena

Aus dem Interkolumnium beugt sich das „Mädchen aus Tanagra“ dem Betrachter entgegen. Auf der marmornen Brüstung steht die kleine, bronzene Venus (in der Antikensammlung KHM) vor einer großen, antiken Vase. Gustav Klimt.

Im Zwickel sieht man Pallas Athena, die dem Betrachter wie ein Standbild gegenübersteht. Der Ägisschild ist ihr als schmückender, goldener Kragen um den Hals gelegt. In der Rechten trägt sie eine geflügelte Nike, Göttin des Sieges, und in der Linken ihren Speer.


Pallas Athena, Gustav Klimt

Der Vater von Zeus, Kronos, hatte alle seine Kinder gleich nach der Geburt verzehrt, weil er fürchtete, sie würden mächtiger werden als er selbst. Zeus hatte nur durch eine List seiner Mutter überlebt (sie hatte Kronos einen Stein zum essen gegeben, und Zeus in einer Höhle versteckt aufwachsen lassen). Zeus heiratete dann Methis, die ihm übrigens auch half, seinen Vater zu stürzen. Aber als sie dann schwanger wurde, verschlang Zeus seine Gattin mitsamt ihrer Leibesfrucht, denn er fürchtete das gleiche Schicksal wie sein Vater! Doch nach dem Mahl bekam er fürchterliche Kopfschmerzen und rief die Titanen zu Hilfe. Als Zeus medizinische Nothelfer den Druck in seinem Schädel mit einem Axthieb linderten, sprang Athene, als ausgewachsene Kriegerin in kompletter Rüstung, heraus.

Ägyptische Kunst

Mumienkopf, KHM

Die Symbolfigur Ägyptens im Zwickel scheint in einer altägyptischen Grabkammer zu stehen, rechts unten steht der falkenköpfige Gott Horus. Im oberen Bereich zeigt Gustav Klimt typische Motive ägyptischer Tempel- und fürstlicher Grabdeckenmalereien: Die weibliche Aktfigur trägt die schwarze, goldgesträhnte Perücke, wie sie von königlichen Mumiensarkophagen bekannt ist. Ferner den typischen prachtvollen Halsschmuck und in der ausgesteckten Rechten „Anch“, das Lebenszeichen. Der ansonsten bei Gustav Klimt durchgehende gestaltete Hintergrund der Zwickelbilder ist hier aus thematischen Gründen geteilt.

Göttin Nechbet

Der Geier ist das heiliges Tier und Personifikation der Göttin Nechbet. Oftmals wurde er auf den Decken der Grabkammern dargestellt, mit weit ausgebreiteten Schwingen und langstieligen Federfächern in seinen Fängen bewacht er beschützend den Weg des bestatteten Königs in das Allerheiligste.

Plafond Ägyptische Sammlung KHM, Ausschnitt

Nechbet ist auch Göttin und Schutzherrin Oberägyptens, ihr Geier gilt in der ägyptischen Spätzeit als Symbol des Weiblichen. Ihm steht als Verkörperung des männlichen Prinzips der Käfer gegenüber, der geflügelte Skarabäus.

Thronende Isis,     den Horusknaben säugend,     600 v. Chr., KHM

Das Interkolumnium zeigt ein effektvoll gebautes Ensemble der ägyptischen Kunstindustrie. Auf dem im Vordergrund sichtbaren Uschebti-Kästchen thront die basaltene Sitzstatue der Göttin Isis. Im Mittelgrund ist ein Kasten in Form eines Schreines mit zwei Hieroglyphenkolumnen zu sehen, auf dem die Statue des Gottes Path (Hauptgott der Residenz des Alten Reiches, Memphis) und ein Schreiber stehen. Dahinter ein großer, hölzerner, bunter Außensarkophag der 24. Dynastie und ein Hathor Kapitell. Keines der dargestellten Objekte befindet sich im KHM. Isis-Kult Isis ist ein wesentlicher Bestandteil des ägyptischen Schöpfungsmythos. Sie repräsentiert den weiblichen Archetypus. Osiris war ihr göttlicher Gatte. Sie steht mit Fruchtbarkeitskulten in Verbindung. Die Kuhhörner und die Sonnenscheibe auf ihrem Haupt deuten auch darauf hin. Der Isiskult wurde auch von den Griechen und Römern übernommen, und gelangte so bis nach Mitteleuropa. Die Darstellung von Maria und dem Jesuskind soll sich von der Darstellung Isis mit dem Horusknaben ableiten.

Uschebti heißt übersetzt soviel wie "Antworter". Es sind Arbeiterfiguren in Mumienform, die den Verstorbenen ins Grab mitgegeben werden, um stellvertretend für sie in den jenseitigen Gefilden die Arbeiten zu verrichten. Daher auch die große Anzahl der kleinen Figürchen (15-30cm): 365 entsprechend den Tagen des Jahres und zusätzlich mindestens 36 Aufseher. Ihre Verwendung und die zu verrichtenden Arbeiten sind ihnen auf den Leib geschrieben. Sie halten meistens Hauen in ihren beiden Händen. Und wenn der König, bzw. die Aufseher sie nun zur Arbeit riefen, mussten sie "antworten".

Florenz	Florenz	Dante

In den linken Zwickel setzt Gustav Klimt einen jungen Mann. Er trägt ein florentinisches Kostüm des 15. Jhd., hält ein Buch in den Händen und blickt hinüber zum anderen Zwickel, zu seinem weiblichen Gegenpart. Hinter ihm sieht man noch Engelsköpfchen und einen Majolikafries. Das prachtvoll gekleidete weibliche Gegenstück erinnert im Typus an die Engel- und Mädchengestalten des Tre- und frühen Quatrocento. In der Linken hält sie einen Blütenzweig, die leicht angewinkelte Rechte auf den Bogen der Arkade gestützt. Aus ihrer Armbeuge lugt ein rotgeflügelter Seraphim. Im Vordergrund des Interkolumnenbildes steht ein geflügelter, weißgeschürzter Putto, der mit beiden Händen einen goldenen Schild hält. Über ihm ragt die Büste Dante Alighieris. Entwurf Dantezeichnung

Bronzebüste Rudolf II	Deutsche Renaissance

Büste Kaiser Rudolf II.

Interkolumnium: Bronzebüste Kaiser Rudolfs II., nach dem im Haus befindlichen Original von Adriaen de Vries (Prag 1603). Die Portraitbüste Rudolfs, einer der wichtigsten Sammler und Förderer dieser Kunstrichtung, setzt Klimt auf einem Marmorsockel mit folgender Inschrift: Rvdolphv(s). II D. G. EleC. Rom. Impera. Das Renaissancepaar der gegengestellten Zwickelfiguren verbindet Ernst Klimt durch einen einheitlich gestalteten, mit Ranken, Grotesken und Fruchtbündeln verzierten Bildgrund. Die reich gekleidete weibliche Figur hält mit beiden Händen einen Kokosnusspokal in der Art der Nürnberger Goldschmiedearbeiten. Das männliche Gegenstück ist mit einem dunklen, pelzverbrämten Oberkleid angetan, von dem sich die geschlitzten Ärmel abheben, die Figur hält ein geschlossenes Buch in Händen.

Spanische. Kunst	Niederländische Kunst

König Philipp IV.

Die spanische Kunst im Interkolumnium verbildlicht ein Page im Kostüm der Zeit Philipps IV., der eine mit Points d'Espagne applizierte Tischdecke zeigt. Die ihm zugewandte Symbolfigur der Niederlande ist eine vornehme Dame in Art der Van Dyck-Portraits. Sie trägt ein prachtvolles, spitzenbesetztes Brokatkleid, ein Spitzentuch in der Rechten, einen zusammengeklappten Fächer in der Linken. Haarschmuck, Collier sowie eine reich mit Steinen verzierte Brosche in Form einer Rose vervollständigen ihre Erscheinung. Den Hintergrund bildet eine mit Nelken ornamentierte, gepresste Ledertapete. Der in ein reich besticktes Wams gekleidete Kavalier hält mit beiden Händen einen prunkvollen Korbdegen. Vom Dunkel des Wamses heben sich die weißen, spitzenbesetzten Ärmel und die Tellerkrause ab. Auch hier wurde der Hintergrund von Ernst Klimt tapetenartig ausgeführt.

Typus Violante	Alessandro Farnese

Violante, Tizian

Den Beginn der Italienischen Hochrenaissance verkörpert ein Page im Interkolumnium. Er trägt ein florentinisches Kostüm mit eng anliegenden Beinkleidern und samtenem Oberteil und entnimmt der großen Majolikavase, nach dem Vorbild Orazio Fontanas, eine Blüte. Das Möbel ist eine reich geschnitzte florentinische Hochzeitstruhe. Die lautenspielende Symbolfigur ist eine Umsetzung der Tizianischen Violante. Der ihr über die Schulter blickende Putto mit einem aufgeschlagenem Notenblatt verfolgt ihr Spiel. Als männliches Pendant fungiert Alessandro Farnese, Herzog von Parma und Piacenza, in seinem prachtvoll getriebenen Prunkharnisch des Mailänder Meisters Lucio Piccinino. Das Interkolumnium lässt Ernst Klimt rechts mit dem monumentalen bronzenen Kandelaber in der Art des berühmten Leuchters aus dem Museo Correr in Venedig abschließen.

© Hedwig Abraham, Juli 2002

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